La exposición busca resaltar las prácticas poéticas y políticas de la artista Sheela Gowda, fundamentadas en una visión reflexiva y perceptiva del mundo, acompañada por una conciencia del valor simbólico y comunicativo de la materia, los objetos y sus vestigios.
Nacida en Bhadravati (India) en 1957, Sheela Gowda ha desarrollado su trabajo a través de un intercambio constante entre las tradiciones artísticas locales y las formas internacionales de arte.
Aunque se formó como pintora en la Ken School of Art, Bangalore, en M.S. University, Baroda, y en Visva-Bharati University en Santiniketan, Gowda expandió su ejercicio a la escultura y la instalación, después de completar sus estudios de posgrado en el Royal College of Art de Londres.
Esta transición respondió a la determinación de la artista de intervenir directamente en el espacio, así como de incluir activamente a la audiencia en su obra de arte. Más importante aún, fue una respuesta a la inestable situación sociopolítica en la India en los años 80 y 90, asociada con el aumento de la política de derechas y los actos de violencia en todo el país.
La artista abordó estas inquietudes a través de una serie de materiales locales comunes y objetos cotidianos, con un significado altamente metafórico y político, que incluye estiércol de vaca, tambores de alquitrán, pigmentos rituales, cuerdas hechas de cabello, agujas, hilo y goma:
Nacida en Bhadravati (India) en 1957, Sheela Gowda ha desarrollado su trabajo a través de un intercambio constante entre las tradiciones artísticas locales y las formas internacionales de arte.
Aunque se formó como pintora en la Ken School of Art, Bangalore, en M.S. University, Baroda, y en Visva-Bharati University en Santiniketan, Gowda expandió su ejercicio a la escultura y la instalación, después de completar sus estudios de posgrado en el Royal College of Art de Londres.
Esta transición respondió a la determinación de la artista de intervenir directamente en el espacio, así como de incluir activamente a la audiencia en su obra de arte. Más importante aún, fue una respuesta a la inestable situación sociopolítica en la India en los años 80 y 90, asociada con el aumento de la política de derechas y los actos de violencia en todo el país.
La artista abordó estas inquietudes a través de una serie de materiales locales comunes y objetos cotidianos, con un significado altamente metafórico y político, que incluye estiércol de vaca, tambores de alquitrán, pigmentos rituales, cuerdas hechas de cabello, agujas, hilo y goma:
Experimentó por primera vez con estiércol de vaca en Mortar Line (1996), una escultura de suelo que consiste en una doble hilera de ladrillos de estiércol de vaca que forman una línea curva. Considerado sagrado, el estiércol de vaca se usa ampliamente en la India rural para la construcción y como combustible.
En las obras basadas en cabello humano, los restos de las grandes cantidades de cabello recogidas como ofrendas de miles de personas en los lugares de peregrinación son una referencia al uso ritual (como sacrificio por un voto hecho), el cotidiano (como talismanes en vehículos motorizados) y la economía (la venta de cabello humano en los mercados mundiales).
En las obras basadas en cabello humano, los restos de las grandes cantidades de cabello recogidas como ofrendas de miles de personas en los lugares de peregrinación son una referencia al uso ritual (como sacrificio por un voto hecho), el cotidiano (como talismanes en vehículos motorizados) y la economía (la venta de cabello humano en los mercados mundiales).
Otro rasgo distintivo del trabajo de Gowda es el proceso de fabricación en sí, resultado del trabajo intensivo, como en el caso de And... (2007), una instalación que consta de tres cuerdas dispuestas en el espacio, cada una hecha de hilos rojos de 270 metros ungidos con una pasta de pegamento y kum kum, un pigmento utilizado en los rituales.
Para Gowda, el peso y la escala de los objetos y las estructuras determinan el movimiento de la audiencia a través de un espacio, como se puede experimentar en la instalación Stopover (2012): 200 piedras de granito cúbicas (herramientas tradicionales de cocina), recolectadas en las calles de Bangalore por la artista.
Remains también transmite su compromiso con el proceso de definir la forma como transformadora de significado. Como explica la artista:
"Una obra de arte es el resultado de las decisiones tomadas. Es cierto que mi trabajo proviene de ciertos contextos específicos, pero la naturaleza final del trabajo se configura a un nivel de abstracción: el tipo de abstracción del que estoy hablando no es solo una proposición estética, sino una que no destruye el trabajo del significado y permite una multiplicidad de lecturas ".
