La exposición pretende arrojar luz sobre esta carrera. Se divide en seis secciones, siguiendo el desarrollo de su trabajo a través de unos 60 proyectos, con un gran número de dibujos originales y modelos de investigación.
Desde el primer período de su obra (cuando el arquitecto estaba cerca de los artistas en la escena californiana y trabajando en una nueva gramática) para el desarrollo de una plataforma de producción que incorporase nuevas herramientas digitales, F.O. Gehry ha empujado los límites de la arquitectura y liberado de muchas de sus convenciones. Un constructor paciente, un creador receptivo a todo tipo de inventos y abierto a todos los desafíos, que produce un trabajo que es a la vez crítico y práctico, y ha llevado a la reflexión sobre la naturaleza heterogénea de la ciudad y la fluidez del organismo arquitectónico.
Después de la presentación inicial de los proyectos europeos de Gehry en el Centro Pompidou en 1992, esta exposición ofrece ahora una visión global del cuerpo principal de la obra y por primera vez en Europa.
ELEMENTARIZACIÓN SEGMENTACIÓN 1965-1980 In 1962,
Frank Gehry abrió su propia oficina en Santa Monica. Apoyada en una dilatada experiencia en el conocimiento del mundo de la construcción, tras haber realizado numerosos proyectos para promotores inmobiliarios, industriales y agencias de urbanismo. Al mismo tiempo, los encargos para casas privadas y artistas le permitieron experimentar con el lugar de la arquitectura en el paisaje californiano. Comenzó a construir un lenguaje arquitectónico basado en la relación del objeto con su entorno, el uso de materiales económicos industriales (mallas de alambre galvanizado, láminas de metal corrugado, estuco, cartón y asfalto) y un nuevo enfoque a los métodos tradicionales de construcción en madera. En términos formales, segmentan y descomponen la geometría elemental del edificio. Cada diseño, explícitamente crítico en relación con el funcionalismo, por tanto, explorando las relaciones entre "encerrar / cubrir", "espacio abierto / espacio cerrado" y "visible / oculto", junto con la continuidad entre la pared y el techo. De los volúmenes minimalistas del estudio de Louis Danziger (1964) a las geometrías ilusionistas en la casa diseñados por Ron Davis (1968-1972), Gehry explora cada vez más un campo experimental, incluyendo la ampliación de su propia casa en Santa Mónica (1977-1978 ), que condensa el alcance crítico de su obra y lo llevó a su reconocimiento internacional a principios de los años ochenta.
COMPOSICION-EMSAMBLAJE 1980-1990.
Más allá de cualquier aplicación estética, la cercanía de Gehry a la escena del arte de California contribuyó a su cuestionamiento profundo de la arquitectura: una reinvención paciente de la idea del objeto arquitectónico, y el conjunto de proyectos complejos. Un crédito del concepto "una sola habitación un edificio" presentado por el arquitecto y teórico Philip Johnson, que marcó su estilo a principios de los años ochenta. Los diseños que produjo se basan en la separación de los elementos funcionales, y acentúan su heterogeneidad. Las intuiciones que exploró con cada nuevo proyecto participan la apertura de la arquitectura hasta las correspondencias de confrontación entre varias entidades, con lo que en las nuevas influencias a través de sus interacciones con la ciudad, y la recomposición de proyectos usando unidades autónomas. Primero desafiando la identidad de la forma arquitectónica, entonces redefinir el conjunto de diferentes partes proyectos, Gehry inventó un estilo arquitectónico basado en la interrelación, simbolizada por los prismáticos famosos de Claes Oldenburg para la agencia de publicidad Chiat \ Día (1985-1991, Santa Monica).
FUSIÓN-INTERACCIÓN 1990-2000.
Consciente de las limitaciones de una estética de la agregación y de reunión, Gehry buscó revivir un principio de unidad y continuidad entre el objeto arquitectónico y su entorno. En este sentido, sus diseños para la Residencia Lewis (1985-1995) y el Museo de Diseño Vitra (1987- 1989) fueron los principales experimentos, transfigurando la cuestión de la forma de inventar nuevos principios de la arquitectura y crear una unidad orgánica. El uso de la tela de cera-impregnado, para los modelos de Lewis de residencia, con el fin de capturar el movimiento dinámico de la pañería, de nuevo afirmó la interacción entre estructura, material, sobre y ornamento. En momentos en que Gehry estaba explorando el potencial de las nuevas formas de modelado asistido por ordenador, los nuevos instrumentos de información de edificios que desarrolló le permitieron producir una arquitectura genuina de continuidad, donde las paredes y los techos se hicieron enormes "velas" - un sobre producido utilizando un solo material - fusionar los volúmenes divididos en marcha de un proyecto inicialmente fragmentada. El Museo Guggenheim de Bilbao (1991-1997) es una de las manifestaciones más ejemplares de este.
TENSION DE UN CONFLICTO 1990-2000.
La obra de Gehry en espacios intersticiales combina efectos visuales de tensión y atracción. El arquitecto en escena las contradicciones y los cambios bruscos en el tejido urbano, y creó el efecto de desavenencias, enfrentamientos e incluso conflictos entre los diferentes volúmenes de un edificio. Detrás de la creciente complejidad de sus construcciones, Gehry, sin embargo, trató de restablecer las armonías. Por ejemplo, en Praga, que él llamó el edificio Nationale Nederlanden (1992- 1996) "Fred y Ginger", lo que indica que los dos cuerpos del edificio fueran una sola entidad en el movimiento, al igual que los cuerpos de los bailarines en relación unos con otros. Su trabajo sobre la elasticidad, la compresión y el conflicto real entre los elementos constructivos (albañilería, acristalamiento, techos, etc), y la interacción de los materiales con los demás fueron en última instancia, diseñado para desempeñar una función de conexión en un tejido urbano complejo. Frank Gehry siempre se ha opuesto a la identidad inerte, fija del objeto escultórico. Su búsqueda de un espacio arquitectónico donde los intersticios entre edificios intensifican la energía de la ciudad, con su movimiento y los flujos, encontró una de sus expresiones más poderosas en el Walt Disney Concert Hall (1989- 2003) en Los Angeles.
CONTINUIDAD DE FLUJO 2000-2010.
Ahora que había adquirido el dominio en la producción de espacios intersticiales complejas, Gehry empezó a reducirlos, explorando nuevas formas espaciales generados por los sobres continuas. Con el Jay Pritzker Pavilion (1999-2004) y el Centro Richard B. Fisher para las Artes Escénicas (1997-2003), que superpone los elementos de cubierta, que parecían ser independientes; con el Hotel Marqués de Riscal (1999-2006), que los multiplicó en una combinación exuberante de cintas metálicas; con el Banco DZ (1995-2001) y la clínica Lou Ruvo (2005-2010), creó la continuidad dramática en las superficies de techos. Esta obra geométrica con el sobre del edificio produce composiciones cuya complejidad infinita empujado las mismas ideas de la fachada, el tejado y los puntos convencionales de referencia en relación con la verticalidad del edificio hasta el punto en que prácticamente desaparecieron. A través de la flexibilidad permitida por simulación digital, por lo que es posible fusionar la estructura constructiva del edificio con su envoltura, la noción de ornamento fue entonces transferida a la propia piel. De este modo la interpenetración de los volúmenes y su fluidez produjo una arquitectura libre de todas las convenciones: una arquitectura viva orgánica impulsado por los complejos flujos de la ciudad.
SINGULARIDAD-UNIDA 2010-2015.
Con un lenguaje arquitectónico pacientemente forjada en sus manos, Gehry ahora podría aplicar esta estrategia crítica para su propia obra y una vez más en duda la identidad del objeto arquitectónico. El Üstra Office Building (1995-2001), un paralelepípedo con un toque ligero, fue el primero en abordar este problema - uno explorado en mayor profundidad por el edificio IAC (2003- 2007) y 8 Spruce Street en Nueva York (2003-2011 ). El morfológicamente compleja fachada de esta torre resuena con las vibraciones de Manhattan, logrando la condición de icono. Aquí, como con la Fundación Louis Vuitton construida en el Bois de Boulogne en París (2005-2014), la arquitectura entra en movimiento, la construcción de una especie de síncopa a través de las muchas maneras diferentes que puede ser mirado. Si bien la pregunta que Gehry se asienta aquí ya no es el objeto de la identidad tanto como su singularidad, sus proyectos - todos urbano - no sólo nos dicen lo que la arquitectura podría ser; también nos iluminan sobre el lugar donde está arraigado el artefacto construido: una geografía, un espacio y un paisaje; un tiempo social y una materialidad - en definitiva, un territorio.
Comisarios.- Frédéric Migayrou, Aurélien Lemonier.
Comisario colaborador.-Eliza Culea.
Arquitecto de diseño de Escenografía.- Corinne Marchand.
Responsable de producción.- Maud Desseignes.
Cuándo.- del 8 de octubre de 2014 al 26 de enero de 2015. Todos los días excepto los martes de 11,00 h a 21,00h.
Lugar.- Galerie Sud. Centre Pompidou. París. Francia.
