Invitado por el "museo más grande del mundo", (el cual también genera el mayor número de selfies) ha puesto su mirada sobre uno de los símbolos del Louvre la pirámide, la cual se propone transformar en una imagen anamórfica sorprendente.
Entrevista con JR
Entrevista con Hugo Vitrani, Abril 2016
“El arte nos permite poner en cuestión nuestros puntos de vista visuales e intelectuales.”
La Pirámide del Louvre parece desaparecer tras tu collage, y no podemos dejar de recordar el debate dirigido por los detractores del proyecto arquitectónico de I.M. Pei, que se dio a conocer en marzo del 1989 como parte del programa "Gran Louvre" de François Mitterrand . ¿Cuál es el sentido de hacer desaparecer la pirámide?
Hacer desaparecer la pirámide es mi manera de alejarme del tema que estoy tratando. La disputa entre los gustos tradicionales y los modernos en el arte y la arquitectura no es nada nuevo. La pirámide, las columnas de Buren en el Palais-Royal, y el Centro Pompidou fueron todos causa de controversia. Mi trabajo es sobre la transmisión de la historia para entender mejor el presente, y sobre encontrar ecos en nuestro propio tiempo. Lo que ocurrió en el pasado es parte de un contexto más amplio que aún puede tener relevancia hoy. Borrando la pirámide del Louvre, destaco la forma en la que Pei hizo el Louvre relevante en su momento, mientras que el Louvre vuelve de nuevo a su estado original. La pirámide es uno de los monumentos franceses más fotografiados. Estoy re-dirigiendo su energía, porque la gente va a tener que moverse alrededor de ella. Van a buscar el mejor ángulo para obtener el impacto total de la imagen anamórfica, y realmente conseguir que la pirámide desaparezca.
Tu trabajo comenzó de manera ilegal, en las calles. Expusiste tus obras en la Casa França-Brasil en Río de Janeiro en 2009, y ahora pareces estar dando la vuelta a monumentos históricos: el Panteón, la Asamblea Nacional y ahora la Pirámide del Louvre. ¿Cómo encajan tus proyectos en estos lugares tan emblemáticos y a menudo cargados de historia y controversia?
La calle es un museo al aire libre. A medida que he crecido en mi trabajo, he creado proyectos ambiciosos sobre algunos monumentos, proyectos que no podría llevar a cabo de noche y con un par de trazos de pincel. Uso los edificios cuando el objetivo del proyecto funciona con el contexto, como hice en Rio al montar retratos de habitantes de una favela, desconocidos para la población urbana, en la Casa França-Brasil. También fue interesante poner retratos de miles de personas anónimas de todo el mundo en el Panteón, que es un santuario para los grandes de Francia, en mi proyecto "Inside Out". Era una manera de rendir homenaje a todos los que tuvieron la voluntad y el valor de cambiar el mundo, y para declarar que la Historia con H mayúscula se hace por la gente pequeña. Al igual que mi proyección de video "El Permanente marzo," que hice con Darren Aronofsky y proyecté sobre la Asamblea Nacional, era significativo porque revelaba una multitud de personas que se unen solidariamente y piden a los políticos que presten atención mientras que la COP21 se estaba llevando a cabo el pasado diciembre. Esto pasó en un momento en el que todas las manifestaciones y concentraciones fueron prohibidas debido a los ataques terroristas del 13 de noviembre Mi acercamiento a los monumentos oficiales se guía por el significado que el lugar puede aportar a mis diferentes proyectos. Con la Pirámide del Louvre, el collage es parte de mi proyecto "sin marco", que empecé en 2009. Uso de imágenes de archivo, sacándolas de su contexto original y recortándolas para darles una nueva vida en función del contexto. Todo es cuestión de afirmar que lo importante ya no es la creación de una imagen, sino lo que hacemos con esa imagen. Este es un proyecto que hice en Baden Baden, Ellis Island, y los túneles subterráneos en el Palais de Tokyo, donde trabajé con Os Gemeos el abril pasado para montar imágenes de pianos. Esto recordaba cómo el lugar fue utilizado por los nazis para almacenar todas las cosas que robaron a Judios durante la ocupación de París. Los lugares que elijo para mostrar mi trabajo guían elección y el significado de mis proyectos. Los monumentos prestan un cierto protagonismo a algunos proyectos y les dan una nueva escala, pero no son el origen de mi trabajo. La elección de trabajar en un monumento en particular sólo tiene sentido si se me permite aportar algo nuevo al edificio preexistente.
Hoy en día, es imposible ver la Mona Lisa sin ver a personas sacando fotos de sí mismos frente a ella. La pirámide del Louvre es uno de los monumentos más visitados y fotografiados del mundo. André Gunther ha llamado a la selfie "la práctica fotográfica más representativa de la expresión visual contemporánea." Hay artistas que han tenido gran éxito con ella, como Martin Parr con su serie "El Selfie Stick", o Richard Prince con sus retratos publicados en Instagram. ¿Qué le parece esta nueva relación entre las personas y las imágenes?
Cuando empecé a tomar fotos, el concepto de la selfie no existía todavía. Podías girar tu cámara para fotografiarte a ti mismo, pero este fenómeno se llevó a un nuevo nivel en el siglo XXI. Cuando empecé, y no es hace mucho tiempo ya que sólo empecé hace 15 años, no era fácil conseguir que tus fotografías se conocieran. Para hacerlo, había que tener algo que decir. Mi trabajo trataba de destacar la imagen de personas anónimas, en el marco de un proyecto. Así que empecé a salir con un proyecto participativo, "hecho en casa". Estos últimos diez años han cambiado nuestra relación con las imágenes de forma espectacular. El desarrollo de la fotografía, junto con la llegada de las redes sociales reveló una patología que es inherente a la gente. Todo el mundo se convirtió en su propia red social capaz de gestionar su propio flujo de información, de ser sus propios medios de comunicación, al igual que con Periscope, de difundir y controlar su propia imagen... De hecho, por su forma, el retrato de fotograma completo, esta representación individual, es como mi práctica artística, con su construcción participativa. En este nuevo contexto, mi acción adquiere una nueva dimensión ya que mi firma se ha convertido, al final, en la práctica estándar. Cuando veo a alguien hoy fotografiarse en blanco y negro a la JR, y compartirlo en espacios públicos (digitales o urbanos), eso me hace pensar en lo que se le debe a mi estilo, y lo que ahora pertenece al dominio público. De aquí surge el proyecto "Inside Out", en el cual le doi a la gente mi estilo y me convierto en una mera impresora para sus proyectos. Pero a diferencia de una selfie, les pido que tomen una postura y unan a gente en torno a su idea. Lo que me ha motivado desde el principio es el deseo de ir a ver por mí mismo las más grandes de imágenes, situaciones y personas, para poder desafiar los conceptos erróneos que hay acerca de los suburbios, el conflicto palestino, o el papel de las mujeres en los países en crisis. En el Louvre, es esta misma idea de abrir los ojos para ver el lugar en el que estamos con una luz diferente. Nosotros no vamos al Louvre sólo para traer de vuelta souvenirs en imágenes.
Suena como el famoso fenómeno "yo estaba aquí", que dio a luz a el arte del graffiti.
Tomamos atajos actuales: la gente está más en la imagen que en el momento en sí. El collage en la Pirámide desafía nuestros reflejos. Tienes que encontrar el mejor punto de vista para ver la imagen anamórfica, o por el contrario, se descompone. Por ello, el trabajo hace que empieces a moverte físicamente, incíta a la imaginación y desafía perspectivas e ideas. El espectador no es pasivo. No sólo habrá un punto de vista desde el que se puede ver toda la obra en su conjunto. Es el papel del arte cuestionando nuestros puntos de vista.
¿Por qué siempre elige trabajar con fotografías en blanco y negro para sus obras al aire libre?
Es como un antídoto para la sobrecarga de anuncios en súper alta definición. Cuando estaba trabajando en Sierra Leona, alguien me preguntó, en broma, si todavía no teníamos la fotografía en color en Francia. Además de ser imágenes universales, el blanco y negro se diferenciarse de los anuncios en que nunca es utilizados por los partidos políticos. Es esencial distinguir mis imágenes de las que invaden el espacio público en el día a día.
Usted es uno de los primeros artistas que tiene un sitio web (con la sección "La foto del día", que era una de Instagram). Usted está en Instagram y Snapchat. Su proyecto participativo "Inside Out" no existiría si no fuera por un mundo definido por el contenido generado por el usuario. ¿Cómo ha impactado la revolución digital en su trabajo?
Mi trabajo es efímero. Por eso, desde el principio, quería documentar, mejor que compartirlo. Mis pastings están hechas para ser vistas por el mayor número posible de personas, sin filtros, de forma gratuita. Muy pronto, empecé a compartir mis proyectos para difundirlos en webs, blogs y libros. Mi trabajo está destinado a desaparecer en el espacio público: el retrato anamórfico de Benedita Florencio Monteiro pegado en 2009 en la escalera de la favela Morro da Providencia sólo duró tres días, pero la imagen continuó circulando en las redes sociales, en publicaciones y exposiciones. Existen los proyectos fuera de las memorias de los que ayudaron a crearlos. El advenimiento de las redes sociales aceleró mi enfoque. Desde el principio, mi sitio web me ayudó a ser mi propio medio, para conseguir mis proyectos por mi cuenta y crear lazos con otros. Esto me ayudó a encontrar otros proyectos y otras paredes para trabajar.
Hoy en día aún se pueden encontrar la pestaña "Involúcrate" en mi sitio web donde cualquier persona que lo desee puede unirse a la aventura. Conocí gente nueva en Instagram y descubrí nuevos lugares para tomar fotos, como la foto que tomé en Times Square que finalmente pude hacer gracias a la ventana de un vecino que se puso en contacto conmigo. Las redes sociales amplifican mi proceso creativo, que se basa en el intercambio, el grupo, la participación y la independencia. La proliferación de imágenes que vemos hoy en día de artistas les ha puesto en su lugar, obligándoles a redefinir su papel. Hay miles de fotógrafos que toman hermosas fotografías en Instagram. Pero un artista ya no puede ser simplemente un productor de imágenes. Sólo un creador de proyectos puede incitar a la gente a cuestionar y proponer nuevas ideas. Un artista es un intermediario. Este es el lado positivo de la actual proliferación de fotografías: la imagen ya no es el tema. Este nuevo contexto obliga al artista a volver a pensar en su posición, al igual que la invención de la fotografía puso en tela de juicio el papel del pintor que se esforzó por representar la realidad.
Desde hace diez años ha mantenido su vida privada al margen, mientras se sigue exponiendo en las redes sociales. ¿Por qué continúa defendiendo su anonimato cuando está claro que ahora es una figura pública?
Yo ya usaba un pseudónimo antes de todo el anonimato que implicó el uso masivo de Internet, ese lugar donde el mundo entero puede esconderse detrás de identidades falsas. JR son mis iniciales. Vengo del mundo del graffiti, así que no iba a firmar mi nombre real en mis exposiciones "de la calle" que eran ilegales. Aún hoy en día, la mayoría de los proyectos que hago son ilegítimos, sin autorizació: la colocación de imágenes en Francia parece normal, pero he estado detenido o expulsado de otros países. Mis proyectos se llevan a cabo en zona de nadie. Recientemente he estampado imágenes en una pared en Estambul de retratos de ancianos que vivieron la secularización de Turquía. Algunos fueron destruidos por las autoridades locales. Pero he descubierto algo nuevo por ser anónimo: mi identidad no es la clave para la comprensión de mi trabajo. Mientras que un graffitero más a menudo firma su trabajo con un pseudónimo, mi fotografía pone a otros en el punto de mira, sus rostros, sus retratos, sus historias. Así que no es mi nombre lo que cuenta, es el puente que construyo para llegar a estas personas. Para entender mi trabajo, no es útil saber de donde vengo, de Europa del Este o la India, que mi religión es el Zoroastrismo, que el nombre de mi novia es Latifa Cohen-Durand, o que me gustaría casarme y tener hijos algún día.
Su proyecto en el Louvre incluye una serie de conferencias con artistas, periodistas y críticos de arte que exploran varios temas relacionados con su trabajo, desde el arte in situ hasta la reactivación de la fotografía en la era digital. Usted publicó recientemente un libro y organizó una exposición para niños en el Centro Pompidou. ¿Dónde surge este deseo cada vez mayor por explicar de donde viene su trabajo?
He estado tratando de ayudar a la gente a entender mi trabajo desde el año 2008. Es importante explicar de dónde vengo, quienes son las personas que aparecen en mis fotografías, por qué estos proyectos son totalmente independientes económicamente. Por eso mis proyectos siempre vienen con un libro o un corto o una película como "Las mujeres son héroes", rodada en 2010 para rendir homenaje a las mujeres de Liberia, Kenia, Camboya e India. En la conferencia TED Prize en 2011, he prestado especial atención a cómo se ven mis proyectos para crear conexiones entre ellos, explicar cómo todos ellos son coherentes. Esto permitió que mi proyecto "Inside Out" tomara nuevas direcciones: fotografié a todo el mundo (por ejemplo retratos en blanco y negro) llegando a ser una mera impresora fotográfica. Hace poco publiqué un libro explicando mis proyectos a los niños. Los niños hacen preguntas reales. Hoy en día, hemos perdido nuestro rumbo. Quiero aprovechar el poder de la memoria, transmitir las historias del pasado, dar voz a los recuerdos de las personas mayores, para que los niños y los adultos escuchen. Los jóvenes están abiertos al arte, es una forma de acceder a otros mundos, ampliar sus horizontes y cuestionar las idea aprendidas. Para los proyectos de Louvre, hay una serie de conferencias. La gente a menudo me pide respuestas. Pero eso no es mi papel como artista: el arte se trata de cuestionar el mundo.
