En esencia, las fotografías de moda están hechas para el consumo en revistas y publicidad. Tienen la intención de despertar el deseo en los espectadores, ya sea por belleza, estilo o incluso la sombra de labios o el corte de pelo más modernos. Para captar la atención, las fotografías de moda cambian constantemente de estilo o enfoque frente al cambio social, político y económico. Iconos de estilo: Un siglo de fotografía de moda, 1911-2011, en exposición del 26 de junio al 21 de octubre de 2018 en el Museo J. Paul Getty, Centro Getty, es la exploración más completa de este fenómeno que se ha llevado a cabo, presentando más de 160 moda fotografías junto con una selección de disfraces, ilustraciones, portadas de revistas, videos y publicidades. Extraída de la colección de fotografías del Museo Getty, así como de importantes préstamos, la exposición presenta el trabajo de más de ochenta fotógrafos, iluminando los innovadores cambios estéticos y tecnológicos en el campo.
"Una vez pasado por alto por coleccionistas y museos debido a sus orígenes comerciales, ahora se reconoce que la fotografía de moda produjo algunos de los trabajos más creativos del siglo XX, trascendiendo su función ilustrativa para producir imágenes de gran calidad artística y sofisticación", dice Timothy Potts , director del Museo J. Paul Getty. "Los museos, sin embargo, han sido lentos para abrazar este género. Parece un momento propicio para presentar una visión global de los mejores ejemplos de fotografía de moda producidos durante el siglo pasado ".
La exposición presenta el trabajo de fotógrafos de moda tan renombrados como Richard Avedon, Lillian Bassman, Guy Bourdin, Erwin Blumenfeld, Louise Dahl-Wolfe, Hiro, Inez y Vinoodh, Peter Lindbergh, Man Ray, Helmut Newton, Nick Knight, Gordon Parks, Irving Penn, Herb Ritts, Edward Steichen y Tim Walker, así como artistas menos conocidos pero influyentes como Corinne Day, Gleb Derujinsky, Toni Frissell y Kourken Pakchanian.
"En 2010, comenzamos a trabajar para fortalecer la colección de fotografías de moda del Museo con la esperanza de crear una base sobre la que pudiéramos construir una exposición innovadora", dice Paul Martineau, curador asociado de fotografías en el Museo Getty y comisario de la exposición. "Sigo intrigado por la capacidad de algunas fotografías de moda para trascender su función comercial original para ser consideradas verdaderas obras de arte".
La exposición se abre con un momento clave en el surgimiento de la fotografía de moda moderna cuando, en 1911, el editor francés Lucien Vogel desafió al fotógrafo Edward Steichen para crear las primeras fotografías de moda artística. Antes, las fotografías eran a menudo demasiado realistas para atraer a un público familiarizado con las imágenes altamente idealizadas popularizadas por ilustradores como Erté y Paul Iribe. Durante las dos primeras décadas del siglo XX hubo un cambio considerable en la moda femenina, alejándose de los vestidos ajustados con corsé y la ropa más cómoda, natural y holgada de innovadores como Paul Poiret y Coco Chanel. A la vista estarán las primeras fotografías de Steichen y el barón Adolf de Meyer, dos artistas que fueron los encargados de crear los cimientos de la fotografía de moda moderna a instancias del magnate de la revista Vogue, Condé Nast.
Las fotografías producidas durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial revelan cómo los cambios políticos y económicos influyeron en la industria de la moda. Durante la Depresión, las principales revistas de estilo continuaron enfatizando el lujo y el glamour, ofreciendo un escape de las duras realidades de la época. Durante la Segunda Guerra Mundial, las revistas de moda trataron de seguir siendo relevantes al adoptar un enfoque positivo de la vida. En sintonía con el racionamiento en tiempos de guerra, la moda se simplificó y utilizó menos telas, y los fotógrafos adoptaron un enfoque más moderado. La exposición incluye varios ejemplos de "elegancia patriótica", un estilo de vestimenta o representación que subrayó los valores nacionales. Keep the Home Fires Burning (1941) de Louise Dahl-Wolfe presenta una maqueta en un simple deslizamiento alejado de la cámara y mirando hacia la chimenea, aparentemente esperando que su esposo regrese de la guerra.
La década de 1950 marcó lo que muchos consideran la Edad de Oro de la fotografía de moda, con un retorno al glamour a través de diseñadores como Cristóbal Balenciaga, Christian Dior y Jacques Griffe. Richard Avedon e Irving Penn dieron vida a los elegantes vestidos de estos diseñadores con enfoques diferentes pero igualmente visualmente deslumbrantes para su trabajo. Penn dominó la fotografía de moda basada en el estudio, mientras que Avedon se destacó por mostrar modelos en el lugar y en acción. Junto con tratamientos visuales audaces en revistas, el trabajo de estos y otros artistas entregó fotografía de moda a un público aspiracional que surgió de décadas de guerra y dificultades.
Las décadas de 1960 y 1970 fueron un momento en que la cultura juvenil, la revolución sexual y más tarde el movimiento de liberación de las mujeres fueron catalizadores de nuevas posibilidades en la fotografía de moda. William Klein fotografió sus modelos en entornos urbanos utilizando una cámara de 35 mm, perfeccionando un estilo de calle arenoso que se celebró por su sorprendente vitalidad. Los principales diseñadores de mediados de la década de 1960 marcaron el comienzo de una variedad de nuevos looks extravagantes, como el hippie, el mod, el gitano y la era espacial. La fotografía de 1961 de Neal Barr de Dianne Newman captura al espíritu de la época en un minivestido con mallas estampadas, lentes de ojo de pez y un corte de pelo recortado, todo desde un ángulo bajo para dar a la imagen un aura psicodélica ligeramente desequilibrada.
En la década de 1970, las líneas de ropa lista para usar de Halston, Anne Klein e Yves Saint Laurent fueron codiciadas por mujeres que acababan de incorporarse a la fuerza de trabajo e intentaban equilibrar sus trabajos y sus familias. Fotógrafos como Arthur Elgort se esforzaron por mostrar a las mujeres sus rutinas cotidianas y contrataron modelos que eran identificables, naturales y conscientes de la salud. Otros como Helmut Newton y Chris von Wagenheim desafiaron la corrección con imágenes agresivas y sexualizadas que a menudo daban la vuelta a los estereotipos de género tradicionales. Los años 60 y 70 también vieron una mayor diversidad, con modelos afroamericanos como Donyale Luna y Beverly Johnson siendo elegidos para las portadas de las mejores revistas de estilo por primera vez. La portada histórica de Vogue de Johnson de Johnson estará a la vista.
La fotografía de moda de los años 80 y 90 abarcó el cuerpo femenino atlético, la exhibición de la sexualidad masculina, el nacimiento de la supermodelo y la introducción de motivos más oscuros en el género. La década de 1980 vio el auge de los aderezos corporativos, la tendencia de la aptitud y la ascensión de diseñadores italianos como Gianni Versace y Giorgio Armani. Herb Ritts y Bruce Weber retrataron modelos masculinos bien construidos de maneras que enfatizaban su sexualidad, cambiando para siempre la forma en que se representaba a los hombres en la moda y la publicidad. La belleza y el poder también fueron ejemplificados por un nuevo grupo de "supermodelos", a quienes se les ofrecieron enormes salarios para pistas de aterrizaje en todo el mundo. Ritts es conocido por crear una de las fotografías más famosas de la época: el abrazo aparentemente desnudo de las supermodelos Naomi Campbell, Cindy Crawford, Tatjana Patitz, Stephanie Seymour y Christy Turlington.
En la década de 1990, una recesión económica, un aumento en el consumo de drogas y la incorporación del movimiento grunge basado en Seattle por la industria de la moda dio origen a la "heroína chic", que presentaba modelos delgadas como Kate Moss con un maquillaje enfermizo. . El estilo crudo y sobreexpuesto de Corinne Day, quien filmó modelos descuidados en entornos ruinosos, no solo fue una fuente de inspiración para este nuevo estilo, sino también la antítesis del glamour exagerado y el exceso de la década anterior.
La exposición concluye presentando una selección diversa de fotografías contemporáneas que revela algunas de las posibilidades actuales de la fotografía de moda, y las herramientas digitales que han reconfigurado la noción de lo que -técnica y conceptualmente- es una fotografía de moda. El crecimiento de los blogs de moda al estilo callejero como The Sartorialist (2005) de Scott Schuman y las aplicaciones globales de intercambio de imágenes en Internet como Instagram (2010) y Snapchat (2011) están remodelando una industria en rápida evolución, proporcionando a los fotógrafos de moda aspirantes y establecidos puntos de venta para su trabajo.
"Mi esperanza es que esta introducción radical a la fotografía de moda no solo eduque y deleite a nuestros visitantes, sino que también inspire nuevas investigaciones académicas", agrega Martineau. "Pasado por alto, la integración gradual de las fotografías de moda en las colecciones de los museos facilitará la evaluación de estas imágenes en términos de la historia más amplia del medio fotográfico".
